Cubismo

Introducción

«De un cilindro hago una botella», decía el pintor español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota, Pablo Ruiz Picasso, y dos franceses, Georges Braque y Fernand Léger, fue uno de los exponentes más destacados del cubismo.

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(Del francés cubisme.) Movimiento pictórico desarrollado de manera especial entre 1907 y 1914, que entrañó la revolución estética más importante realizada desde el Renacimiento.

Mujer sentada, cuadro de Pablo Ruiz Picasso. Museo de Arte Moderno, París (Francia).

Introducción

«De un cilindro hago una botella», decía el pintor español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota, Pablo Ruiz Picasso, y dos franceses, Georges Braque y Fernand Léger, fue uno de los exponentes más destacados del cubismo.

Este movimiento artístico del primer cuarto del siglo XX, con su descomposición de la figura y su renuncia a la perspectiva tradicional, revolucionó el mundo de la pintura.

El nombre de cubismo fue acuñado por vez primera por el crítico de arte francés Louis Vauxcelles, al referirse de manera despectiva a los paisajes de Georges Braque expuestos en la galería parisiense Kahnweiler en 1908. Los componentes del movimiento aceptaron tal denominación.

Concepto

El problema central planteado por el cubismo es el de la representación del espacio de tres dimensiones sobre una superficie plana. La perspectiva inventada por los creadores del Renacimiento consistía en un sistema convencional de representación del espacio, que partía de la base de considerar la visión humana como fija, monocular e instantánea. Los pintores cubistas desarrollaron un sistema representativo más rico, basado en el hecho de que la visión humana es móvil, se realiza con los dos ojos y se desarrolla en el tiempo.

Por ello los objetos aparecen en los cuadros cubistas contemplados desde diferentes puntos de vista, como desplegando sus diversas superficies, que no pueden ser observadas simultáneamente si se elige un solo punto de vista fijo. El resultado es un nuevo lenguaje plástico, de orden lírico y conceptual a la vez, que liquida el ilusionismo practicado desde el Renacimiento como única forma posible de representación. El cubismo presenta los objetos tal como son concebidos por la mente y como existen en sí, y no tal como son vistos.

El cubismo rechazaba, así pues, la antigua teoría, mantenida y seguida durante siglos, de que el arte era una imitación de la naturaleza. Quizá por esto, aunque inicialmente los pintores cubistas tomaron como modelos los temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas, pronto centraron su temática en naturalezas muertas. Éstas eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer plano, gracias a una descomposición en facetas.

Orígenes y evolución

Se ha situado el origen de este movimiento en dos fuentes muy distintas: de una parte, el impacto que causó en los círculos artísticos de París la escultura primitiva africana —y, en opinión de muchos críticos, la ibérica—; de otra, la influencia del pintor francés Paul Cézanne y su tendencia a reducir los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.

Hay que añadir a estos antecedentes la reacción contra el fauvismo, tendencia pictórica en la que el estallido del color era uno de los aspectos más sobresalientes. Los creadores que iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Pablo Ruiz Picasso y Georges Braque. En su desarrollo se suelen distinguir tres etapas:

a) cubismo primitivo, iniciado por el célebre cuadro de Picasso Las señoritas de Aviñón (1907), al que pronto se incorporaron Georges Braque y Juan Gris;

b) cubismo analítico (1910-1912), que se caracteriza por la descomposición de las formas de objetos muy simples (botella, vaso, compotera, copa) en colores sordos (verde oscuro, ocre, gris), período que corresponde a la generalización masiva del cubismo y a su primera formulación teórica, con el libro de Albert Gleizes y Jean Metzinger Du cubisme (1912);

c) cubismo sintético, iniciado a raíz de la estancia en Ceret (verano de 1913) de Picasso, Braque y Juan Gris, y de la incorporación al movimiento de Fernand Léger; esta etapa se caracteriza por la ruptura con todo procedimiento imitativo y por el empleo de “signos” plásticos, libremente inventados, comparables a las metáforas de los poetas.

Cubismo primitivo

Como decimos, el primer cuadro cubista, pintado por Picasso en 1907, fue Las señoritas de Aviñón. Las figuras femeninas representadas en este lienzo están singularmente tratadas. Son formas planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos que las delimitan son siempre rectilíneos y angulares. Al mismo tiempo se acomete el intento de representar, a la vez, un rostro humano de frente y de perfil.

Simultáneamente a las investigaciones desarrolladas por Picasso, Braque había realizado una serie de paisajes de L'Estaque, caracterizados por la escasez de colorido y un volumen facetado, a base de planos inclinados, que se presentaron en París en la exposición que dio origen al nombre de cubismo. Desde los primeros años se estableció una estrecha relación entre Picasso y Braque, que permitió pasar al cubismo de una fase previa de experimentación a otra más madura, entre los años 1910 y 1912.

En los inicios de este movimiento tuvo también gran importancia el marchante Daniel Kahnweiler, cuya galería se convirtió en el centro de difusión del cubismo. Por otra parte, la teoría acerca del movimiento cubista iba tomando forma en las reuniones en el edificio Bateau-Lavoir, donde vivían Picasso, Juan Gris —seudónimo de José Victoriano González— y el escritor francés Max Jacob. Asistentes asiduos a las reuniones del grupo eran también el francés Henri Matisse y Diego Rivera, que sería uno de los principales pintores muralistas mexicanos, así como los escritores franceses Jean Cocteau y Guillaume Apollinaire. Fue precisamente este último quien en mayor medida contribuyó, con textos como el de Les Peintres cubistes, publicado en 1913, a elaborar la estética sustentadora del movimiento cubista.

Cubismo analítico

En la evolución de este movimiento se establecieron dos épocas claramente marcadas, denominadas fase analítica y sintética. El período analítico transcurrió entre 1910 y 1912.

Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad. Desde el principio se pretendía un arte más conceptual que realista. Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al monocromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules. Con todo ello se intentaba combinar la tridimensionalidad del mundo real con la bidimensionalidad de la obra artística.

En una primera etapa de la fase analítica, todas estas formas aparecieron generalmente compactas y densas, para irse haciendo cada vez más amplias y fluidas hasta difuminarse en los bordes del lienzo. Los elementos preferidos fueron instrumentos musicales —en especial la guitarra—, botellas, pipas, vasos y periódicos, aunque nunca se excluyó la figura humana. Entre las obras más destacadas de estos momentos cabe señalar Muchacha con mandolina de Picasso y Hombre con guitarra de Braque.

Cubismo sintético

La fase sintética trajo consigo la reconsideración de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió ahora a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo siempre fragmentadas, eran más amplias y decorativas. La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos. Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, incluso arena.

Con la utilización de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y de naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión. En este estilo cubista, Braque realizó sus famosos papiers collés y Picasso obras como El jugador de cartas o Naturaleza muerta verde.


50 años sin Georges Braque


Otros cubismos

Además de los dos grandes maestros mencionados hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger.

Cuando esta estética se difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o tendencias con sus propias características: el cubismo órfico, del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista; el grupo de Puteaux, con el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy intelectual; el neoplasticismo, del holandés Piet Mondrian; el suprematismo ruso de Kazimir Malévich; el constructivismo escultórico de su compatriota Vladímir Tatlin; y el purismo, estética racional y geométrica impulsada por los franceses Amédée Ozenfant y Charles-Édouard Jeanneret. Este último, de origen suizo y llamado Le Corbusier, aplicó luego sus principios a la arquitectura.

Se puede decir que, con el inicio en 1914 de la I Guerra Mundial (1914-1918), el cubismo, que había tenido una vida intensa desde 1907, se desintegró como vanguardia artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de la abstracción geométrica.

Escultura y arquitectura

Aunque el vocablo cubismo corresponde en rigor a la pintura, no puede negarse su extensión a la escultura y arquitectura, como puede comprobarse en obras que simultánea o posteriormente a las pictóricas, geometrizaron en mayor o menor medida.

Destacan los escultores R. Duchamp Villon, Gaudier-Brzeska, Ossip Zadkine, Henri Laurens, Jacques Lipchitz y Joseph Csáky. El cubismo arquitectónico lo hallamos en obras como las de Le Corbusier, las de los arquitectos pertenecientes al grupo De Stijl, los proyectos de Tony Garnier para la Cité Industrielle, el célebre palacio Stoclet de Bruselas, obra del vienés Josef Hoffmann, etc. A partir de 1920, ha sido notable la influencia del cubismo sobre las artes decorativas.

Literatura

Movimiento literario surgido paralelamente al pictórico (1908). Representado por Max Jacob, Jean Cocteau, Blaise Cendrars, André Salmon y Guillaume Apollinaire, que fue el nexo de unión entre las vanguardias pictórica y literaria. El libro Meditaciones estéticas (Apollinaire, 1913), fue un intento de teorizar acerca de la nueva escuela. La pintura y la poesía partieron de objetos de la realidad cotidiana donde la visión desde diferentes planos a la vez creó planos que se interpenetraban; esto logró el llamado poema simultáneo, visión diferente a la que imperaba, objetiva y subjetiva.

Ampliación

El cubismo fue un movimiento plástico novecentista de poquísima duración cronológica, pero de inmensa trascendencia en cuanto al futuro de las artes (muy concretamente de la pintura) durante el siglo XX. Lo más sorprendente del mismo, verdadera revolución de conceptos y de realizaciones, radica en el hecho de haber nacido exento de toda conspiración o premeditación, huérfano de cualquier programa o manifiesto, habiéndonos llegado su teoría mucho después que su práctica.

Pero, para entender tan sustantivo y desacostumbrado fenómeno, no escasean los hechos que en cierto modo lo prologan y que pueden instruirnos acerca de su sorprendente eclosión. Uno de ellos, verdaderamente cuantioso, es el reconocimiento de la jerarquía de Paul Cézanne en el Salón de Otoño de 1904, que va seguido del fallecimiento del egregio pintor el 22 de octubre de 1906; hechos ambos que ponen de relieve el grandísimo respeto sentido por el artista de Aix-en-Provence por la tendencia a expresar los volúmenes de cualquier naturaleza visible, de acuerdo con los esquemas esenciales del cubo, el cilindro y la esfera. Otro hecho prologal digno de ser puesto de manifiesto, entre las fechas dadas, es la aparición del fauvismo, desprovisto de líneas rectoras, más amante de la superficie que del volumen, y, en todo caso, sometido a la dictadura del más encendido color. Dictadura que debía ser reducida y comprimida en su licencia.

Picasso, Braque y Juan Gris

Todavía hoy se ignora cuál de ambos factores influyó mayormente en la conciencia inquieta, de Pablo Ruiz Picasso al invertir muchas horas de trabajo, en 1907, en su gran tela, Las señoritas de Aviñón, donde, casi repentinamente, enfoca el arduo problema de representar un rostro femenino simultáneamente de frente y de perfil. Ello hubiera podido quedar en anécdota aislada si Georges Braque no hubiera coincidido con parecida postura en 1908 (será en el curso de su exposición del mismo año cuando el crítico Louis Vauxcelles hable por vez primera de «cubos», en el número de 14 de noviembre de 1908 de la revista Gil Blas). Y si en 1909, Picasso, en Horta de Sant Joan (que en los textos franceses se da equivocadamente bajo el nombre de Horta de Ebro) no hubiera pintado unos paisajes urbanos de extremada severidad de líneas y volúmenes y de pálida gama.

En el mismo año, el propio Vauxcelles hablaba ya de cubismo, y hay que reconocer que de todos los términos inventados para definir un estilo artístico, desde el de románico hasta el de modernismo, ningún otro es tan concreto, comprensivo del hecho y tan certero como el comentado. A partir de 1910 habría todo un sistema cubista de pintura, de momento, inaugurando un capítulo que hasta 1913 merecería el calificativo de analítico; a partir de la última fecha se convertiría en sintético, y ya ersía menos exactamente cubista.

Los hombres que habían asumido la responsabilidad de dirigir con su labor el cubismo analítico eran Picasso y Braque, a los que pronto se unieron Juan Gris, Fernand Léger, Roger de La Fresnaye y otros artistas menores, como Jacques Villon, Robert Delaunay, Albert Gleizes, Jean Metzinger, etc. Contaban con la plena adhesión del marchante Daniel-Henry Kahnweiler y con el aliento literario y crítico de no pocos escritores, el más entusiasta de ellos Guillaume Apollinaire, que ajustaba y reajustaba constantemente su pensamiento a los resultados plásticos aparecidos, y ello daba la razón a Picasso al declarar que los cubistas no habían marchado detrás de ningún programa escrito, sino delante de él.


Cubismo y guerra. El cristal y la llama


Definición y características del movimiento

Pero ya estamos tardando en definir el cubismo analítico si es que es posible definirlo con mediana exactitud. Valga decir que se basa en el desdoblamiento en planos grandes y pequeños de cuantas diferencias de relieve puedan coexistir en la superficie de un objeto, de un árbol, de un cuerpo humano, ya que, al contemplar todos estos modelos, la evidencia nos persuade de que detrás del perfil izquierdo existe el derecho, y de que la circunstancia de que, de momento no podamos ver una aleta de una nariz, la razón y la naturaleza nos aseguran de que continúa existiendo. Pero, si hemos de ser sinceros, se pintaron pocos cuadros que coincidieran rigurosamente con el fragmento de definición dada, aunque se contasen entre ellos retratos tan sustantivos como el de Vollard por Picasso y el de éste por Juan Gris.

El dominio predilecto del cubismo analítico desde sus orígenes no fue el de la efigie humana, ni mucho menos el del paisaje (pese a la importancia de los paisajes picassianos de Horta de Sant Joan), sino el del bodegón, el de la naturaleza silenciosa e inerte, que se prestaba maravillosamente para el caso, pues el análisis pormenorizado de sus facetas contribuía de modo decisivo al cometido decorativo y sedante atribuido desde siempre a este género. En todo caso, y ya se tratara de figuras como de objetos éstos, por lo general, pipas, guitarras, botellas cuadriculadas de Anís del Mono, subrayando con su presencia una vez más el innegable origen español del movimiento, el color había pasado, por una especie de consenso tácito entre Picasso y Braque, a ser único y de tonos medios, y en ocasiones, dando lugar a una monocromía verdosa, parda u ocre que contrastaba de suerte decisiva con la vivaz algarabía del impresionismo y, sobre todo, del fauvismo; o, para decirlo con palabras de Eugenio d'Ors: «Después del carnaval impresionista, la cuaresma cubista».

Se pudiera añadir que no se trataba sólo de cuaresma, sino de un riguroso periodo de ayuno, abstinencia y penitencia, de proscripción de lo espectacular y sensorial, para devolver la pintura a cometidos geométricos, a reglas primarias de ejercicio y composición que, sin pretensión alguna de halago al espectador (éste fue uno de los triunfos más altivos y señeros del cubismo analítico) se desenvolvieran por su exclusiva y prima génesis conceptual. No obstante, los creadores del cubismo fueron los primeros en comprender que esta cuaresma no podría ser proseguida indefinidamente. Acabaron con la fase analítica y prosiguieron la aventura con la sintética, mucho menos duradera.

De momento, desaparecieron los cubos, se eliminó el propósito original de mostrar la cara, el lado y el dorso de los objetos, y éstos, liberados de lo que tampoco dejaba de constituir una servidumbre, se redujeron a líneas esencializadas, fantasmales, en no pocas ocasiones de franca proximidad a la total abstracción. Pero si los cubos quedaban eliminados, otra grata ocurrencia había venido a sustituirlos, y era la del collage; esto es, la adhesión al lienzo de sustancias no pictóricas, como trozos de diarios, etiquetas de cajas de cigarrillos y de fósforos, alguna de botellas de vino, y, más audazmente, arenas y otros materiales heteróclitos.

No era gratuito el procedimiento, sino por demás lógico e ingenioso. Porque si el cubismo analítico, rompiendo con el criterio tradicional de la imagen, todavía persistía en el propósito de conservarla y respetarla a su manera, esa imagen se desvanecía y esquematizaba, se jeroglifizaba más aún en el cubismo sintético, requiriendo, ya que no una ayuda de la realidad, sí, por lo menos, un contraste bien real y auténtico. Ninguno mejor que el suministrado por el collage. Así, esta técnica, después tan largamente usada en movimientos posteriores, se inauguró entonces con un portentoso éxito de integración. Trozos de vidrio, de tela, rejillas procedentes del respaldo de una vieja silla, incluían su presencia en el cuadro cubista, y, si se agrega que se había desterrado la monocromía primera y que volvía a lucir una paleta, vivísima, que operaba generalmente mediante vastas manchas, se comprenderá el encanto de la pintura de esta segunda etapa. Por cierto, segunda y última, a lo menos si nos atenemos a los requisitos originales del movimiento.

Tiene lugar el estallido de la I Guerra Mundial en 1914. Georges Braque, Fernand Léger y Guillaume Apollinaire marcharon a filas y el primero y tercero resultaron seriamente heridos. Picasso, cada día más versátil, continuó haciendo cubismo, entreverado tal o cual vez por aproximaciones al realismo, y su último gran cuadro de este estilo, Los tres músicos, es de fecha tan tardía como 1921. Juan Gris, el más convencido de todos ellos, el más suntuoso de ritmos, el más enamorado de la doctrina, realizó precisamente lo mejor de su obra durante los años de la guerra, más tras ella, y sin duda no de buen grado, se inclinaría hacia otro estilo, propio, por supuesto, pero incomparablemente menos seductor. Al comenzar los años veinte del siglo, el cubismo, en la fase que fuere, había pasado a ser un estilo pretérito. Eso sí, digno de todos los honores que corresponden a los más de los pretéritos.

Otros representantes del cubismo

Ahora bien, sería injusto identificar al cubismo con sólo las tres grandes figuras creadoras de pablo Ruiz Picasso, Juan Gris y Georges Braque, pues, de haber ocurrido así, no habría habido el movimiento plural al que hasta ahora se ha hecho referencia. Es menester dar noticia de otros de sus adeptos, y el primero en requerir esta justicia es el bravo y admirable Fernand Léger (1881-1955), el fuerte normando que, enamorado de los organismos metálicos, del motor y de la máquina, prefirió hacer un cubismo de acero azulado y complicaciones seudomecánicas, lo que atrajo a sus realizaciones la denominación, entre irónica y certera, de "tubismo". Cierto es que sus módulos del cubismo, bellísimos, hermosos, fascinantes, son de una originalidad sin medida, sin la menor relación con las constantes cubistas analítica ni sintética. Y, sin cuidarse de si la doctrina seguía o no vigente, Léger persistió en ella más que sus colegas, hasta desembocar en un estilo no menos personal y sugestivo.

Otro de los cubistas de primera hora fue Roger de la Fresnaye (1885-1925), hombre dotadísimo, de formación muy tradicional, pero cubista muy relativo, ya que nunca perdió de vista el enfoque histórico. Jacques Villon (1875-1963) practicó un cubismo muy lineal y angular, de ritmos muy cuidadosos. Robert Delaunay (1885-1941), muy libre y decorativo (a este respecto son de citar sus insistentes versiones de la Torre Eiffel) se dejó llevar muchas veces por un sentimiento geométrico, poco afín al cubismo y cercano a la abstracción. Aún son de citar Albert Gleizes (1881-1953) y Jean Metzinger (1883-1956), teorizantes del movimiento, pero muy secundarios al colaborar con él plásticamente, y dos inolvidables mujeres: Marie Laurencin (1885-1956), ninfa grácil del grupo, pintora gentilísima, mas no cubista; y la española María Gutiérrez Cueto (María Blanchard) (1885-1932) que conservó en su obra figurativa, humanizándola, muchos de los ritmos cubistas.

Por lo demás, cabría mencionar a pintores de otras latitudes, más o menos ortodoxos en su interpretación cubista: el aragonés Santiago Pelegrín, en determinada etapa, y el argentino Emilio Pettorrutti en no pocas. Lógicamente, siendo esencialmente pictórica la vena de la investigación cubista, los escultores tendrían sólo muy contadas relaciones con ella. Aun así, son sustantivas las colaboraciones escultóricas de Pablo Gargallo, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko y Jacques Lipchitz. Todos ellos, con innúmeros más de menor cuantía, habían tenido el privilegio de colaborar en la construcción del movimiento cubista, el más señero y prolífico del s. XX.

Bibliografía

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