Orquesta

Introducción

La denominación de los conjuntos instrumentales que constituirían la unidad fundamental a lo largo de la evolución de la tradición musical occidental tiene su origen en el término orkéstra, que designaba el lugar situado entre el escenario y los espectadores en el que ejecutaban sus danzas y cánticos los miembros del coro en el teatro griego clásico.

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La Orquesta Filarmónica de Brno durante una actuación, el 9 de marzo de 2010, en el MUPA (Palacio de las Artes) de Budapest (Hungría.)

Conjunto de instrumentistas que interpretan una obra musical, generalmente bajo las órdenes de un director. No debe confundirse con una simple unión de músicos, puesto que, como entidad, la orquesta tiene una dotación determinada de instrumentos, tanto en lo que se refiere a su naturaleza como al número.

Introducción

La denominación de los conjuntos instrumentales que constituirían la unidad fundamental a lo largo de la evolución de la tradición musical occidental tiene su origen en el término orkéstra, que designaba el lugar situado entre el escenario y los espectadores en el que ejecutaban sus danzas y cánticos los miembros del coro en el teatro griego clásico.

La orquesta es un conjunto de instrumentos musicales que ejecutan unidos una composición musical o acompañan la interpretación de solistas vocales e instrumentales.

Aproximación histórica

El término orchêstra procede del griego clásico, y era un concepto utilizado en la Grecia antigua y la antigua Roma para denominar al espacio delantero del escenario usado por el coro para cantar y danzar. Pero su acepción actual nace de la plena emancipación de la música instrumental con respecto a la música vocal, llevada a cabo por la cultura europea durante el barroco, la Ilustración y el romanticismo.

La paulatina configuración de la orquesta durante estos períodos fue resultado no tan sólo de las innovaciones y mejoras técnicas de los diferentes instrumentos, sino también de los cambios en las concepciones estéticas en el campo de la música que de una forma lenta pero irreversible se fueron imponiendo en Europa.

Cabe, pues, hablar de una entidad que ha evolucionado a través de diferentes etapas, desde sus primeros tanteos en el período renacentista, al concepto progresivamente establecido de agrupación por familias instrumentales en el período romántico. En este sentido, cabe entender la orquesta no como algo único, sino como un cuerpo evolutivo distinto según las épocas y los autores.

Los primeros ensayos

La cultura de la Edad Media no ensayó ninguna forma musical que favoreciera el nacimiento del conjunto instrumental, dado que la música vocal actuaba como límite estético a sus formas. Es decir, aunque las líneas vocales de la polifonía medieval y renacentista fueron muchas veces dobladas por instrumentos, estos pequeños conjuntos no llegaron nunca a conformar ningún parecido con las orquestas establecidas bajo las formas de concierto y sinfonía del siglo XVIII.

En el Renacimiento se ensayaron transcripciones para pequeñas formaciones instrumentales de muchas partituras solistas para un único instrumento polifónico —fuera éste el órgano, el clave o el laúd—, que constituyeron los primeros embriones de formas orquestales. Así fue como también se multiplicaron multitud de experimentos que tenían como fin la búsqueda de nuevos timbres, empujando a los compositores a probar las distintas ubicaciones de los instrumentos y a calibrar sus conjunciones sonoras.

De esta forma, Andrea y Giovanni Gabrieli, maestros de la basílica de San Marcos de Venecia, a lo largo del siglo XVI llevaron a cabo la distribución de diferentes grupos de músicos en las capillas de la Basílica veneciana con el fin de conseguir reverberaciones, contrastes sonoros y ecos. A pesar de todo ello, no puede calificarse propiamente a estos conjuntos de orquestas, ya que el predominio de la accidentalidad en la utilización de los instrumentos impedía la “estandarización” del conjunto instrumental.


Schönbrunn 2014 Orquesta Filarmónica de Viena


La orquesta barroca

La aparición de la ópera a principios del siglo XVII coadyuvó al nacimiento del conjunto orquestal. Por una parte, por su aportación a la especificidad de los instrumentos que se requerían en las ejecuciones de las partituras y, por otra, por la dependencia de un conjunto cada vez mayor de instrumentos de cuerda que aportara una mayor homogeneidad al tejido sonoro.

Claudio Monteverdi (1567-1643), en la primera página de la partitura impresa de su ópera Orfeo (1607), dejó constancia en forma de indicaciones generales de los instrumentos que su creación necesitaba, y con los cuales precisamente se estrenó en la corte de Mantua. Se trataba de un gran conjunto de 36 maestros compuesto por violines, violas, violonchelos, un contrabajo, un par de claves, dos órganos de cámara, una o dos arpas, tiorbas, cornetas, trompetas y trombones.

Hay que señalar que las nuevas formas de sociabilidad nacidas en torno a las cortes de los príncipes italianos y de las monarquías francesa e inglesa a lo largo del siglo XVII impulsaron, cada una con sus idiosincrasias estéticas, nuevas aportaciones. Mientras que la tradición italiana, ejemplificada en el compositor Arcangelo Corelli (1653-1713), enfatizó el conjunto de cuerdas en detrimento del de viento, en la búsqueda de un tejido homogéneo sólo contrastado por diferentes matices sonoros, la escuela francesa, encabezada por Jean Baptiste Lully (1632-1687), aportó la participación de los oboes, los fagotes, las flautas traveseras y los timbales.

Este tipo de conjunto barroco, que se asemeja a lo que hoy se conoce como orquesta de cámara, disponía de un clave con el cual se efectuaba, a modo de acompañamiento y desarrollo del tejido armónico, la técnica del bajo continuo. El clavecinista, habitualmente también director de la formación, daba las entradas, mantenía el ritmo y dirigía el tempo que la formación debía ejecutar. Los instrumentos de viento solían ubicarse a la derecha de este instrumento, y los de cuerda, a la izquierda, todos de pie, generalmente.

A la par que entre 1700 y 1750 se fueron madurando una serie de cambios en el diseño, con mejoras sustanciales en torno a versatilidades y timbres, los instrumentos fueron paulatinamente anotados de una forma explícita en la partitura, aspecto de gran trascendencia para la uniformidad de la plantilla.

Por otro lado, los instrumentos de cuerda fueron aproximándose cada vez más a los que se utilizan hoy en día, imponiéndose el violín sobre la viola, sustituyéndose la flauta dulce por la flauta travesera y el oboe da caccia por la trompa, al mismo tiempo que se incorporaban tonillos a las trompetas y las trompas, es decir, secciones de tubos que, insertados con toda rapidez en los instrumentos, alteraban sus tonos.

Por todo ello, en época de Johann Sebastian Bach (1685-1750) puede decirse que se disponía de un conjunto instrumental que, a pesar de la eventualidad de sus plantillas, constaba ya más o menos de una manera fija de un plantel orquestal compuesto de dos flautas traveseras, dos oboes, uno o dos fagotes, dos cornos da caccia, dos trompetas, timbales, violines primeros y segundos, violas y continuo: violonchelo, contrabajo e instrumento de teclado.

El fruto de estas mejoras y de las aportaciones de las diferentes tradiciones se cimentó, en las postrimerías del barroco, con el tipo de orquesta que conocieron Franz Joseph Haydn (1732-1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y con la cual materializarían sus aportaciones. También durante este período el término orquesta pasó a significar, como sucede en la actualidad, el conjunto de intérpretes.


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La orquesta del clasicismo

A inicios de la década de 1780, la orquesta de los Esterházy constaba de once violines, dos violas, dos violonchelos, dos contrabajos, dos oboes, dos fagotes y dos trompas. Fue precisamente con el clasicismo que estos dos instrumentos y el clarinete pasaron a formar parte activa del conjunto. El fagot abandonó paulatinamente la función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado desde sus orígenes, para pasar a gozar ya a fines de este período de una cierta autonomía, y las trompas y las trompetas poco a poco pasaron a ser los “pedales de la orquesta”.

La nueva concepción del lenguaje musical a partir de 1760, tendente a la participación activa de los diferentes instrumentos, abandonó el bajo continuo y, aunque el órgano y el clave todavía siguieron sustentando el desarrollo armónico en la música sacra y en la realización del recitativo seco, a fines del siglo XVIII fueron prácticamente abolidos de la práctica musical.

Si bien el clarinete ya fue empleado de manera intermitente durante la primera mitad del Siglo de las Luces, a partir de entonces se convirtió, con la orquesta de Mannheim, en instrumento fijo, y alcanzó plena independencia con Mozart, con su Concierto para clarinete en la mayor, K. 622. En 1782, la orquesta estaba compuesta de dieciocho violines, tres violas, cuatro violonchelos, tres contrabajos, cuatro flautas, tres oboes, tres clarinetes, cuatro fagotes y cuatro trompas.

La orquesta de ópera

Debido a que las exigencias musicales de la ópera requerían un tratamiento instrumental diferente, la orquesta de los teatros operísticos merece un tratamiento aparte. En primer lugar, porque mantenía dos claves: uno para el acompañamiento de las arias y de los recitativos, al mismo tiempo que realizaba las indicaciones rítmicas y dinámicas al conjunto, y otro para reforzar el bajo continuo. En segundo lugar, porque se encontraban a menudo instrumentos infrecuentes, como por ejemplo instrumentos de percusión para conseguir efectos “turcos”, o el uso del glockenspiel, instrumento utilizado por Mozart en su La flauta mágica. Y en tercer lugar, por sus dimensiones, que podían ser de unas proporciones superiores a las normales. El mismo compositor salzburgués quedó sorprendido por las de la ópera de la ciudad de París, compuesta por veinticuatro violines, seis violas, ocho violonchelos, cuatro contrabajos, dos flautas traveseras, cuatro oboes, cuatro fagotes, dos trompas, dos trompetas y tres juegos de timbales.

La orquesta romántica

Aunque Ludwig van Beethoven siguió trabajando con un plantel orquestal típico del clasicismo, sólo ligeramente modificado por la inclusión de trombones, flautín o contrafagot en alguna de sus sinfonías, su tratamiento de la orquesta tuvo repercusiones de envergadura en el desarrollo del instrumento orquestal. Al enfatizar el contraste tímbrico en el tejido armónico mediante la independencia e interrelación de las diferentes familias de metal, cuerda, viento y madera, y percusión, fraguó las bases fundamentales para la concepción de la nueva orquesta romántica.

Tres años después de la muerte de Beethoven, en 1830, Hector Berlioz llevó estos planteamientos a sus últimas consecuencias en su Sinfonía fantástica. En el contexto de la nueva cultura romántica el eje del desarrollo estético se centrará en un sujeto literario autobiográfico, narrado con medios musicales.

Cabe entender que, después de la Revolución Francesa, las crisis de las monarquías absolutas y la aparición de una nueva burguesía con la Revolución Industrial, el músico dejará de ser el artesano de una corte real para ser sujeto independiente, un artista, un creador de unas nuevas sensibilidades y valores en recíproca relación con la nueva cultura del yo burgués. El compositor francés Hector Berlioz ejemplifica estos planteamientos estéticos: amplió el papel y la extensión de la orquesta, buscó un nuevo tratamiento de los timbres con la división de la masa de los violines, y usó los metales intensivamente.

Las nuevas aventuras tímbricas del romanticismo se llevaron a cabo gracias a la gran evolución y mejora de los instrumentos de metal. La aparición del mecanismo de los pistones permitió la consecución de todos los sonidos de la escala cromática, y su participación en el tejido orquestal. Para compensar la nueva potencia del metal y llegar a un equilibrio, se incrementó el número de las cuerdas. Así llegamos a las grandes orquestas de fines de siglo, a las de Richard Wagner, Gustav Mahler y Richard Strauss.

La nueva estructura de la agrupación nacida de las reducciones orquestales surgida de la I Guerra Mundial, y que se mantiene intacta hasta el día de hoy, está formada por tres de cada uno de los instrumentos de madera, cuatro trompas (incluso cinco, con la primera trompa doblada), tres trompetas, tres trombones, tuba, dos arpas, un músico de teclado (sea piano, celesta u órgano), timbales y tres instrumentistas de percusión y cuerda.

La distribución en el escenario es la siguiente: a la izquierda del director se ubican los violines, y, siguiendo en forma de elipse, las violas y los violonchelos; detrás de éstos, los contrabajos; por detrás de las violas, y ordenados por afinidades y color, las maderas; las trompas y las trompetas se colocan después de las maderas, y los trombones y las tubas, hacia la derecha; finalmente, centrados y al final del proscenio se ubican los timbales y demás percusiones. En el caso de que la orquesta necesite un arpa o un piano no solistas, se colocan detrás de los violines.

Este prototipo de formación orquestal ha sido, ciertamente, objeto de cambios. Los compositores de entreguerras, y posteriormente sus sucesores, en la segunda mitad del siglo XX, han tendido a reducir el número de efectivos e incluso, como es el caso de los compositores Olivier Messiaen y Witold Lutosławski, a aumentar el número de instrumentos de la familia de percusión en detrimento de la de cuerda. Por otra parte, y como no podía ser de otra forma, la cultura musical de hoy se inclina a abandonar el concepto de orquesta, sirviéndose de elementos electroacústicos.

Tipos de orquestas

La música orquestal es característica del arte occidental. No obstante, otras regiones poseen variedades orquestales generalmente con un reducido número de elementos integrantes. La música india de la época feudal y los dramas japoneses medievales empleaban pequeños grupos de instrumentos, que solían ser de cuerda y madera, y las sociedades africanas reúnen modernamente en sus actos festivos a varios ejecutantes que entrelazan complejas unidades rítmicas obtenidas mediante tambores y otros instrumentos de percusión, sobre los que resalta el cántico ajustado a ciertos esquemas con un alto índice de improvisación.

La tradición musical europea en su vertiente culta desarrolló a lo largo de su historia varios modelos de grupos instrumentales. La orquesta de cuerda se halla constituida por violines primeros y segundos (diferenciados tan solo en su cometido dentro del conjunto), violas, violonchelos y contrabajos; la versión más simple de orquesta de cuerda, conocida como cuarteto de cuerda, contiene habitualmente un instrumento de cada clase o dos violines, una viola y un violonchelo.

En la orquesta de cámara se incluyen, además de elementos de cuerda, trompas, trompetas y flautas, así como eventualmente un órgano o un clavecín. Este tipo de orquesta posee en general menos de veinte ejecutantes. La ampliación de la capacidad expresiva de las composiciones orquestales dio lugar a la progresiva constitución de grupos de mayores dimensiones y definió en el siglo XIX un modelo de orquesta llamada sinfónica y formada por varias decenas de músicos que, en ocasiones, superan el centenar y hacen necesaria la presencia de un director.

El director de orquesta español Ataúlfo Argenta dirigiendo a la Orquesta de la Suisse Romande, Suiza.

Las músicas popular y conmemorativa emplean sus propias agrupaciones de instrumentos. Las bandas militares, especializadas en marchas e himnos, fundamentan su estilo en el resalte de los instrumentos de metal y de percusión, mientras que las orquestinas estudiantiles y festivas utilizan preferentemente elementos de cuerda. Por su parte, las orquestas de baile incluyen mayor variedad de instrumentos. Entre ellas, las orquestas de jazz, aparecidas en los inicios del siglo XX, también llamadas como big bands, poseen una sección rítmica constituida por batería, piano, contrabajo y guitarra o banjo, y una melódica con trompetas, clarinetes, saxofones, trombones y, ocasionalmente, flautas.

Orquesta sinfónica

En la orquesta sinfónica, culminación del desarrollo de la música occidental a lo largo de más de medio milenio, los ejecutantes interpretan las composiciones bajo la visión y organización de un director, su figura emblemática, que interpreta la pieza musical y coordina la acción conjunta. La sección de cuerdas, configurada por unos sesenta músicos, circunda al director en una primera línea en la que se ordenan, de izquierda a derecha, los primeros y segundos violines, las violas, los violonchelos y los contrabajos; el concertino o violín principal asume el papel de primer colaborador del director y se encarga de la afinación previa de todos los instrumentos de la orquesta.

En segundo término, se sitúa la sección de viento y madera, con alrededor de quince ejecutantes de flautas (una de ellas frecuentemente sustituida por un flautín), oboes (con un corno inglés ocasional) clarinetes y fagots. La tercera línea y más alejada posee unos doce instrumentos de metal, entre los que figuran trompas, trompetas, trombones y tubas, y a su izquierda se encuentra la sección de percusión, constituida por bombos, tambores, timbales, platillos, cajas chinas, xilófonos, triángulos, campanas, etc. El grupo orquestal puede completarse con una o dos arpas, un órgano y un piano de acompañamiento. El solista, en las obras de concierto, se sitúa en el centro del escenario junto al director.

Así pues, una orquesta sinfónica moderna se compone de cuatro familias o grupos de instrumentos: a) instrumentos de cuerda, que a su vez se dividen en instrumentos de arco (12 a 16 violines primeros, 12 a 16 violines segundos, 10 a 12 violas, 10 a 12 violonchelos y 8 a 10 contrabajos), de cuerda punteada (una o dos arpas) y de cuerda percutida (piano); b) instrumentos de viento de madera (un flautín, tres flautas, tres oboes, un corno inglés, tres clarinetes, un clarinete bajo, tres fagotes y un contrafagot); c) instrumentos de viento de metal (cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones y una tuba); d) instrumentos de percusión (timbales, tambores, bombo, triángulo, platos, xilófonos, celesta, etc.).

Este conjunto no es rígido, y hoy existen muchas partituras que exigen mayor número de instrumentos, los cuales se agregan ocasionalmente a la plantilla básica. La distribución de la orquesta se efectúa de varias maneras, según las dimensiones y la forma del estrado y los gustos personales del director, pero siempre se agrupan los instrumentos por familias. La orquesta actual es el resultado de una lenta evolución iniciada a partir de grupos de instrumentos de cuerda, a los que sucesivamente se fueron incorporando el oboe, la flauta, el fagot, la trompa y el timbal, hasta constituir la orquesta clásica del s. XVIII. Con el movimiento romántico se añadieron otros instrumentos de metal, se completó la familia de la madera y, por último, se amplió la sección de percusión, que en la actualidad todavía se va enriqueciendo progresivamente con nuevas aportaciones.

A lo largo de la historia de la música culta occidental han sido numerosas las orquestas que han alcanzado celebridad. Mítico es el recuerdo de la orquesta de Mannheim, creada en torno a 1755 alrededor de la escuela que floreció en esta ciudad alemana bajo los auspicios de su príncipe elector y cuyo primer director fue Johann Stamitz.

Viena, Londres y París constituyeron los principales focos musicales del siglo XIX y acumularon una honda tradición orquestal. Célebres compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Johannes Brahms y, más tarde, Richard Strauss e Igor Stravinski fueron asimismo afamados directores de orquesta. Durante el siglo XX sobresalieron entre otros los nombres de Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Otto Klemperer, Erich Kleiber, Herbert von Karajan, Leopold Stokowski, Zubin Mehta y Daniel Baremboim. A través de sus actuaciones al frente de las prestigiosas orquestas filarmónicas de Berlín, Nueva York, Londres, Viena, Los Ángeles y otras, crearon un estilo orquestal en el que la ejecución del director se equipara al del propio compositor de las obras que se programan.

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